ARTISTAS

(La Plata, Buenos Aires, Argentina) 

Es un artista contemporáneo cuya práctica se inscribe en la tradición de la abstracción geométrica y la exploración de la forma, el color y la materialidad. Se graduó como Licenciado en Artes Plásticas con orientación en pintura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP) y cursó estudios adicionales en Arquitectura y Urbanismo en la misma universidad, lo que ha influido en su aproximación reflexiva a la estructura y el espacio en obra. 

La producción de Morgante se caracteriza por series como Brutalismos mínimos, en las que retoma conceptos derivados de la arquitectura modernista —austeridad formal, exaltación de la materialidad y economía de recursos— trasladándolos a soportes como madera, tela y papel para articular tensiones geométricas y cromáticas propias de la abstracción contemporánea. Morgante ha recibido becas y reconocimientos tanto en Argentina como en el extranjero —incluyendo una residencia en el Instituto de Arte Hoz del Júcar, España—. Su obra ha sido exhibida en exposiciones colectivas e individuales en instituciones como el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA) y el Museo de Arte Contemporáneo de La Plata (MACLA). 

(La Plata, Buenos Aires, Argentina) 

La obra de Daniela se inscribe en un enfoque crítico del territorio, la memoria colectiva y las relaciones entre cultura y paisaje. Se formó en artes plásticas, destacándose por su trabajo interdisciplinar que combina instalaciones, objetos, fotografía y video, materiales naturales y reflexiones sociopolíticas sobre el entorno y la identidad regional. 

Aborda temáticas del paisaje ribereño, la historia local, las relaciones entre el arte, el territorio y las historias sociales de la región, integrando elementos tradicionales y contemporáneos para cuestionar perspectivas establecidas sobre identidad y cultura material. 

Su trabajo se caracteriza por una sensibilidad hacia las conexiones entre el cuerpo, la tierra y la memoria colectiva, articulando materiales cotidianos y simbólicos para explorar narrativas históricas críticas y generar espacios de diálogo entre arte y comunidad. Ha participado en exposiciones colectivas e individuales en galerías y espacios culturales, y su práctica continúa desarrollándose a partir de investigaciones profundas sobre contexto, memoria y representación visual. 

(Federación, Entre Ríos, Argentina) 

Artista visual de prácticas híbridas cuya producción se nutre de intervenciones en la esfera pública, la mediación con comunidades diversas y la exploración de lenguajes poéticos entre imagen, instalación, texto y archivo. Su obra reflexiona sobre memoria, identidad, vínculos culturales y narrativas históricas desde una perspectiva crítica y procesual que integra investigación, ficciones documentales y acciones colectivas. 

Licenciada y Profesora en Artes Audiovisuales y máster en fotografía documental y artística, Estefanía ha participado en múltiples exposiciones individuales y colectivas, festivales y congresos en Argentina, España, México, Francia, Dinamarca y Turquía, entre otros. 

Ha desarrollado proyectos investigativos de fuerte carácter poético y crítico, como El sueño se convertirá en barro y Dibujar el negativo de un ombú, que entretejen memorias individuales y colectivas en torno a paisajes, afectos y narrativas culturales, interpelando las estructuras coloniales de representación a través de la escritura, la imagen y la acción colaborativa.

https://www.estefaniasantiago.com/

(Buenos Aires, Argentina) 

Artista visual, desde su trabajo expresa un diálogo con la historia del arte planteando diversas relaciones entre el pasado y la contemporaneidad, explorando con situaciones o personajes de la pintura clásica para ubicarlos en el contexto sociopolítico actual. Así, ha utilizado la cita de obras de artistas clásicos del Río de la Plata,hasta composiciones en las que pueden encontrarse figuras extraídas de la antigüedad grecorromana, ligados con escenarios o imágenes de personas y acontecimientos que remiten a nuestra actualidad, como se muestra con las capas de su obra Palimpsesto.

En la realización de sus trabajos, el artista recurre a programas informáticos a partir delos cuales fragmenta lo visual y transforma la materialidad plástica.

Luna ha desarrollado numerosas exposiciones individuales y colectivas en museos y centros culturales de Argentina y del exterior. Actualmente desarrolla su práctica artística en Buenos Aires, combinando investigación, experimentación visual y una reflexión crítica sobre las representaciones históricas y culturales.

https://www.leonelluna.com.ar/

(Río Tercero, Córdoba, Argentina)

Es un artista visual y escultor cuya práctica explora las tensiones entre construcción, materialidad y espacio a través de estructuras geométricas y procesos manuales. Su obra pone atención en la estética marginal de las urbes dando cuenta de la materialidad de los barrios carenciados que pueblan las márgenes latinoamericanas. El juego de escala de esas esculturas se presenta como ironía al ponerlas en diálogo con maquetas de grandes emprendimientos inmobiliarios. 

Carrizo ha sido reconocido en el circuito argentino de artes visuales. En 2012 obtuvo el 1er Premio Itaú a las Artes Visuales y recibió mención en el Salón Nacional de Escultura. A partir de estos reconocimientos, fue seleccionado para participar de residencias y proyectos curatoriales, como la Residencia URRA de la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires (2014), fortaleciendo un diálogo crítico con prácticas escultóricas contemporáneas.

Su obra ha sido exhibida en espacios como la Galería Alberto Sendros (Buenos Aires) con su muestra individual Construcciones (2013) y en salones y festivales en Córdoba, Buenos Aires y otras regiones. 

(Lincoln, Buenos Aires, Argentina) 

Es un artista visual  cuya práctica combina instalación, fotografía, obra gráfica, objetos, video y performances en un discurso profundamente político y crítico de la realidad social y la memoria colectiva. 

Desde finales de los años noventa y durante las décadas siguientes, su obra ha incorporado proyectos y acciones que reflexionan sobre la historia reciente argentina y las tensiones políticas del presente, incluyendo intervenciones urbanas, publicaciones gráficas y piezas que despliegan narrativas sociales. 

Vidal cursó estudios de Arquitectura en la Universidad Nacional de La Plata y completó su formación en el taller de escultura del reconocido artista Enio Iommi, lo que contribuyó a un lenguaje plástico que transita entre diversas disciplinas para encontrar el “soporte parlante” más adecuado a cada intención. 

Entre sus trabajos se cuentan instalaciones que indagan sobre la ausencia y la memoria, circulando tanto en ámbitos artísticos como en espacios públicos nacionales e internacionales. 

https://hugovidal.com.ar/

(Buenos Aires, Argentina) 

Artista visual, docente universitaria e investigadora, su práctica explora las relaciones entre arte, memoria colectiva, política cultural y territorio mediante una amplia variedad de medios que incluyen dibujo documental, instalaciones, performances, fotografía, publicaciones, novela gráfica y texto crítico. Su trabajo se caracteriza por una investigación situada de procesos socioculturales complejos, visibilizando relatos marginados y tensionando los discursos oficiales a través de estrategias artísticas contextualizadas.

Cofundadora y co-directora del espacio cultural independiente La Dársena. Plataforma de Pensamiento e Interacción Artística, a través del cual promovió prácticas colaborativas y transdisciplinarias en Argentina, Latinoamérica, Europa y Estados Unidos. 

Su obra ha sido exhibida en espacios de arte contemporáneo y festivales internacionales, y desarrollada en diálogo con proyectos de derechos humanos, ecología política y políticas culturales, incluyendo juicios por crímenes de lesa humanidad, proyectos con Abuelas de Plaza de Mayo e intervenciones en espacios públicos y museísticos. 

https://azulblaseotto.com/

(Berisso, Buenos Aires, Argentina) 

Es una artista visual y ceramista cuya obra explora la poética de la cerámica como medio de memoria, territorio y transformación. Formada en los campos del arte y la arquitectura, ha dedicado más de dos décadas al estudio y la experimentación del material cerámico, desarrollando proyectos que integran piezas, instalaciones y procesos de investigación en diálogo con contextos culturales e identitarios. Su trabajo se presenta como una reflexión sobre la materia, el tiempo y el vínculo entre lo cotidiano y lo simbólico, articulando una mirada contemporánea sobre técnicas tradicionales. 

Ha participado en exposiciones individuales y colectivas, festivales y bienales de cerámica en Argentina, Europa y Asia, incluidas muestras en el Museo Internacional de Cerámica de Faenza (Italia) y en eventos curatoriales que integran obra cerámica con memoria social y comunitaria. Rodríguez vive y trabaja en su taller en Berisso, donde además dicta talleres y colabora en proyectos de formación en artes cerámicas.

https://www.mrceramica.com/

(Quilmes, Buenos Aires, Argentina) 

Es una artista visual y docente cuya práctica se sitúa en las intersecciones entre la gráfica, la fotografía y el arte impreso, explorando la imagen como superficie de memoria y transformación. Su obra explora cómo el recuerdo y la representación visual pueden recomponerse, fragmentarse y dialogar con historias individuales y colectivas. 

Estudió Historia de las Artes Visuales y Artes Plásticas con orientación en grabado y arte impreso en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP), donde actualmente desempeña tareas docentes y de investigación. Es una de las coordinadoras del seminario “Arquitecturas editoriales”, de la Diplomatura Procesos editoriales como práctica artística, de la UNSAM; del programa de obra gráfica C.O.P.I.A (Conjunto Organizado para Imaginar Acciones) y los encuentros del Taller troncal de análisis y producción de MANGLAR.

Forma parte de la organización del festival de gráfica contemporánea Presión y coordina proyectos curatoriales y editoriales, entre ellos la colección de libros de artista Tercera Persona y la dirección de arte de la Colección Madriguera de EME Editorial. Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas tanto en Argentina como en México, Uruguay, Brasil, Paraguay, España e Italia, y recibió premios y reconocimientos en encuentros internacionales de gráfica emergente, como Open Buenos Aires y Open Portfolio en Bilbao y el Segundo premio en la modalidad escultura del Salón Nacional de Artes Visuales (Argentina) en el 2023.

(Buenos Aires, Argentina) 

Artista visual. Su obra gira en torno a la exploración del lenguaje, la palabra y la escritura como materia plástica, a través de una reflexión singular sobre la poética del lenguaje y el acto de leer como experiencia visual y sensorial. Se formó como Profesor en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y como Licenciado en Artes Visuales en la Universidad Nacional de las Artes (UNA) donde se desempeña como docente. 

La producción de Lehmann se distingue por su trabajo con papel calado, textos recortados y estructuras espaciales que articulan palabra y forma, generando piezas que transitan entre el dibujo, la escultura y la instalación. 

Lehmann ha recibido distinciones importantes en el circuito artístico argentino, incluyendo el Gran Premio del Salón Nacional Textil y premios en salones nacionales como el del Bicentenario de Tucumán, posicionándolo como una voz significativa en torno a la relación entre texto, materialidad y espacio visual. Su obra integra exposiciones colectivas en instituciones como el Museo de Arte MAR de Mar del Plata, el Centro de Arte Contemporáneo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (MUNTREF) y la Fundación Klemm. A nivel internacional ha participado en la Bienal de Caligrafía, en el Art Museum de Sharjah, Emiratos Árabes y en la Bienal de Papel en el Museo Rijswijk de Países Bajos.

https://www.pablolehmann.com.ar/

(Buenos Aires, Argentina) 

Artista visual que trabaja mayormente en cine, video, instalaciones y fotografía. En sus procesos de creación, las tecnologías utilizadas son tanto herramientas de producción, como objetos de reflexión y transformación. Al manipular, desarmar o subvertir estos dispositivos, Denegri pone en evidencia sus implicancias culturales, históricas y políticas. 

Entre otros reconocimientos, su trabajo ha recibido el Primer Premio del Premio Fundación Andreani (Buenos Aires, 2025), el Premio Colección del 73 Salón Nacional de Rosario (Rosario, 2019), el Gran Premio del Salón Nacional de Artes Visuales (Buenos Aires, 2015), el Primer Premio del Premio Itaú Cultural a las Artes Visuales (Buenos Aires, 2013), la Medalla Dorada al mejor film experimental del Festival de Cine Documental de Belgrado (Belgrado, 2012). Sus obras han sido exhibidas internacionalmente y forman parte de colecciones privadas e institucionales. 

Denegri dirige la Licenciatura en Artes Electrónicas de la UNTREF. Durante diez años (2013-2023) fue curador de cine y video en el MAMBA. Fue director de la Bienal de la Imagen en Movimiento por 6 ediciones (2012-2022) y coordinador del Área de Cine Video y Multimedia del Centro Cultural Rojas (1997-2002).

(La Plata, Buenos Aires, Argentina) 

Licenciado en Artes Plásticas de la Facultad de Artes de la UNLP, es Profesor Titular del Seminario Clínica de Obra en la Facultad de Artes UNLP y Profesor de Pintura en el Bachillerato de Bellas Artes UNLP. Asistió al Taller y Clínicas de Obra a cargo de Diana Aisenberg. Ha realizados muestras individuales y colectivas, en Belleza y Felicidad, Ruth Benzacar, Búm,  Malba Bs As, Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo Seúl , Museo Provincial de Bellas Artes Bs As, Museo Municipal de Bellas Artes La Plata, Centro de Arte y Cultura UNLP,  Museo de Arte y Memoria de La Plata Y Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Se destacan entre sus obras la serie Alta Fidelidad y la muestra Bandera en Berna, una instalación que rememora el momento en un grupo de exiliados argentinos desplegó una bandera que decía “Videla Asesino”, en las tribunas del estadio de Wankdorf en Berna, Suiza, en mayo de 1979, cuando se realizaban los festejos por los 75 años de la FIFA.

(La Plata, Buenos Aires, Argentina) 

Es un artista visual cuya práctica se sitúa en la intersección entre arte conceptual, memoria y materialidad. Su trabajo explora las huellas de los acontecimientos, los mecanismos de reconstrucción del recuerdo y la relación poética entre imagen y objeto o figura. A través del grabado, esculturas y proyectos interdisciplinarios, desarrolla proyectos que combinan investigación histórica, pensamiento crítico y exploración material, generando dispositivos poéticos que invitan a reconsiderar las relaciones entre memoria, verdad e imaginación. 

Inició sus estudios en el campo del diseño en comunicación visual, formándose en la UNLP y en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires (FADU–UBA). En paralelo, desarrolló diversos proyectos editoriales y de dirección creativa vinculados al diseño y al branding. Actualmente continúa su formación en la carrera de Artes Plásticas (UNLP), con orientación en grabado y arte impreso. 

Forma parte del colectivo Freezer, donde participa en las áreas de diseño y montaje de los festivales fotográficos anuales Freezer Foto Fest, realizados en el Centro de Arte de la UNLP, e integra parte del equipo docente de la cátedra de Lenguaje Visual 2 B de la Facultad de Artes de la UNLP.

(La Plata, Buenos Aires, Argentina) 

Es artista visual. Se desarrolla principalmente en el campo del dibujo, la ilustración y las disciplinas gráficas contemporáneas. 

La obra de Vanni se caracteriza por una exploración experimental de la composición y la narración visual, integrando técnicas mixtas como lápiz, témpera, acuarela, collage y tintas para generar piezas en las que la profundidad de planos, la ligereza del trazo y la materialidad del soporte dialogan con una sensibilidad personal y un impulso hacia la experimentación constante. 

Nacida en Río de Janeiro durante la última dictadura cívico militar, su trabajo aborda las infancias en el exilio, con obras como “La familia Caracol», incluida en el libro Sapos de otro pozo –publicado en 2025, por editorial filosurfer-, una realización colectiva que aborda esa temática. 

La obra de Vanni ha sido compartida en plataformas digitales especializadas en arte. Participa en proyectos que sitúan el dibujo y la ilustración como espacios de investigación plástica. Gran parte de su trabajo incluye ilustraciones para  el campo de la literatura infantil.

(Buenos Aires, Argentina) 

La obra de la artista explora la memoria, los objetos cotidianos y los mandatos culturales de género a través de procedimientos que integran la costura, el bordado, la fotografía intervenida y la producción de objetos-retrato. Con formación como Licenciada en Artes Visuales (UNA) y Profesora Nacional de Escultura (Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón), su práctica parte de materiales humildes y familiares —textiles, fotografías, utensilios de costura— para activar historias personales que revelan narrativas sociales y vínculos afectivos. 

Debicki ha participado en numerosas exposiciones y proyectos curatoriales en espacios públicos y académicos, abordando temas como la violencia de género, la historia social y las prácticas femeninas tradicionales. Su obra ha formado parte de muestras como Hagamos visible lo invisible y Genéricas, y se ha exhibido en instituciones como el Museo de la Mujer de Buenos Aires y el Centro Cultural Paco Urondo, el Centro Cultural Haroldo Conti y la BIENALSUR, y en el Museo de Arte y Memoria de La Plata donde expuso la muestra Calladita. Desde 2011, parte de su producción integra el patrimonio del Museo de las Mujeres de Costa Rica. 

(Buenos Aires, Argentina)

La obra de Labourt  propone una experiencia visceral y afectiva, en donde la piel atraviesa su trabajo, tornándose límite y punto de contacto con otros cuerpos, así como registro de memorias en sus pliegues y heridas. 

Utiliza materiales como resinas, gasas, cáscaras de huevo, toallas y cartapesta, a través de los cuales construye figuras que evocan cuerpos en estado de transformación, fragilidad o descomposición, generando superficies que oscilan entre lo visceral y lo teatral. La corporalidad aparece como un lugar de tensión entre presencia y devenir, cuestionando órdenes estéticos normativos y proponiendo experiencias perceptivas íntimas y perturbadoras.

Licenciada en Artes Visuales por la Universidad Nacional de las Artes (Argentina) y magister por la Goldsmiths University de Londres, Labourt ha exhibido su trabajo internacional y localmente en numerosas exposiciones individuales y colectivas.

(Buenos Aires, Argentina) 

Es profesora Nacional de artes visuales. Su obra se centra en el dibujo, el collage y la exploración del papel, desarrollando un lenguaje plástico que dialoga entre la abstracción, la línea y la materialidad del dibujo extendido con un enfoque experimental con materiales y técnicas variadas. Explora no sólo las cualidades formales del trazo y la superficie, sino también las relaciones entre forma, espacio y percepción.

Trabaja habitualmente en series que abordan diversas temáticas en las que el papel es el protagonista, abordándolo a través de diferentes procedimientos: plegado, calado, pegado, cortado e incluso, en alguna ocasión, el rasgado. Y pone en evidencia aquello que lo constituye y que le da sentido propio. En ocasiones ha utilizado viejos mapas de cartografías urbanas, de ciudades propias o ajenas, e incluso imaginarias; otras veces, tomando libros de partituras o escritos antiguos.

La artista articula así espacios y climas que se generan a partir del juego entre luces y sombras, colores y vacíos. Su obra ha sido expuesta en diversos lugares del país y del exterior. 

https://www.lauradalton.com.ar/

(Salta, Argentina) 

Con extensa trayectoria en el campo de la pintura y las artes plásticas, su obra se caracteriza por la exploración de formas, materiales y motivos figurativos y abstractos que expresan tanto una sensibilidad estética personal como una atención crítica a temas sociales y culturales. 

Formada en las universidades nacionales de Tucumán y La Plata, y con referentes como Pompeyo Audivert, Aurelio Salas y Horacio Juárez y César López Osornio, su trabajo ha pasado por diversas etapas, incluyendo propuestas modulares que integran metal y madera con color puro, pintura de caballete y murales, hasta llegar a sus piezas sobre gobelinos. Esta evolución demuestra no solo su versatilidad técnica sino también una permanente búsqueda estética orientada al diálogo entre tradición y experimentación. 

La presencia de la figura humana —con cuerpos, rostros, manos y siluetas en actitudes contemplativas— convive en su obra con espacios vacíos, horizontes abiertos y patrones visuales sugerentes, construyendo escenas que invitan al espectador a una experiencia perceptiva intensa y reflexiva. 

(Tunuyán, Mendoza, Argentina)

Nacido en 1929 en Yunuyán, fue  pintor, dibujante,  grabador y muralista. Su larga trayectoria lo confirma como uno de los exponentes más destacados del arte plástico: sus obras se expusieron en museos de todo el mundo y recibieron innumerables distinciones.

La desaparición de su hija Paloma, en 1977, y el exilio, marcarán su obra. Ese dolor quedó reflejado en la serie Manos anónimas, de la cual donó uno de sus cuadros al Museo de Arte y Memoria (mAm) que hoy es parte de su patrimonio. 

La pintura de Alonso une las tres vertientes del mAm: la memoria de los derechos humanos, el compromiso ético del autor y la excelencia estética. La serie Manos anónimas propone un recorrido por las distintas heridas que dejó el terrorismo de Estado: secuestro, desaparición y cautiverio, violaciones, torturas, enterramientos.

(Buenos Aires, Argentina) 

Artista visual, trabaja arte textil a partir de  técnicas mixtas. Utiliza alambre y fibras vegetales como el formio, el papiro, el algodón o la chala de maíz, y desarrolla tanto tejidos de alambre  como esculturas en papel hecho a mano. 

Su obra busca dar forma a la memoria, los miedos, las heridas, los vacíos, y las capas vulnerables que sostienen la identidad. Se centra en procesos internos vinculados a experiencias emocionales como el recuerdo, diferentes estados que toman cuerpo, se entrelazan, o ramifican, haciendo emerger lo que subyace y convirtiéndolo en nuevas formas de existencia.

Cubero cursó los estudios en Ciencias Políticas y Traductorado de Inglés hasta que se volcó definitivamente al mundo del arte. Se formó en diversos talleres y clínicas abocándose a la pintura en un principio hasta dedicarse al arte textil. Ha participado de numerosas muestras colectivas y recibió los premios del Salón Nacional de Arte Textil, en 2025, y de la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos, en 2022.

https://www.veronicacubero.com/bio

(Santa Teresita, Buenos Aires) 

Es poeta y coordinadora de talleres literarios. Es autora de los libros Sinsépalo (editado por Hemisferio Derecho, 2024 y por la editorial española Huerga & Fierro, 2022), El hemisferio del lado en que quedamos, -ganador de la convocatoria que realizó la editorial Baltasara en 2018-, Una cartografía de la insolación, (Club Hem, 2015), Conspiración de perlas que trasmigran, (Zindo & Gafuri, 2013), Limbo, (Pájarosló editora, 2010); y de las plaquetas Vuelto Vudú, La ecología de las poblaciones, Al antojo de las anémonas y Tapera. Con el apoyo de la Beca Creación del Fondo Nacional de las Artes compiló Yacer en el Tuyú, una antología que reúne a poetas del Partido de La Costa y General Lavalle (Buenos Aires, El Suri Porfiado, 2020). Participó, entre otras, de las antologías Color Pastel, País Imaginario 1980-1992, Antología Federal de Poesía de la Provincia de Buenos Aires y Una imagen para decirlo (Paisanita editora), libro que reúne sesenta y tres textos de artistas argentinxs en torno a una foto del interior de un Skyvan: uno de los aviones utilizados en los vuelos de la muerte durante la última dictadura. Colaboró en revistas como Plebella, Op. Cit., No-Retornable, Transtierros y Jámpster. 

(Buenos Aires, Argentina).

 Reside en Gualeguaychú, Entre Ríos desde 2014. Es poeta y licenciada en Periodismo, diplomada en Escritura Creativa por la UNTREF. Es autora de los libros Bandada. Una hipótesis contra la derrota (Santos Locos Poesía, 2025); Campamento de supervivencia (Caleta Olivia, 2021) que integra la Biblioteca Ni Una Menos, -proyecto que reúne 400 libros feministas editados en la Argentina durante el siglo XXI-; Hay leña (Caleta Olivia, 2017), Todo hace ruido (Editorial Pánico, 2013). También ha publicado plaquetas como Defensa personal (nosotros editorial, Brasil, 2018) en edición bilingüe español/portugués. Participa de diferentes antologías como Poetas argentinas (1981-2000) (Ediciones del Dock, 2023), Otros colores para nosotras. Poesía contemporánea de mujeres argentinas (Ediciones Continente, 2018), Antología Federal de Poesía (CFI, 2018), El trabajo y sus historias (CTA Ediciones y Editorial de la Comarca, 2019) como resultado del Primer Certamen Nacional de Literatura Osvaldo Bayer, Martes Verde Federal de Poetas por el Derecho al Aborto Legal y Flotar, 100 poemas sobre ríos, 100 poetas argentinxs, entre otras. Edita el blog El poema del momento desde 2005.

(Buenos Aires, Argentina) 

Nació en Santa Fe y reside en Ciudad de Buenos Aires. Es escritora, periodista y docente, fue una de las fundadoras de H.I.J.O.S.. Es hija de Flora Celia Pasatir y Gastón Robles, desaparecidos el 5 de abril de 1976.

Raquel es autora de Perder (Alfaguara, 2008), su primera novela, con la que ganó el premio Clarín. Posteriormente publicó La dieta de las malas noticias (Alfaguara, 2012), Pequeños combatientes (Alfaguara, 2013), un libro en el que se explora el universo infantil de los hijos de desaparecidos a partir de una reelaboración del lenguaje de la militancia; La política del detalle (Edulp, 2018), Papá ha muerto (Factotum, 2018), Hasta que mueras (2019), y La organización vence al tiempo, (Fondo de Cultura Económica, 2026). 

Ha dedicado mucho de su tiempo a investigar los cruces entre literatura y pedagogía, así como los usos de la ficción en la intervención con adolescentes. Colabora en diversos medios gráficos y da clases sobre los usos de memoria en la literatura, intervención socioeducativa y gestión de conflictos. Dicta talleres de escritura.

(Buenos Aires, Argentina)  

Comenzó a trabajar en medios periodísticos desde muy joven. Es periodista, escritora,  activista, hija de la abogada y militante Marta Taboada, desaparecida en 1976 por la dictadura cívico militar. 

Cuenta con varios libros publicados. Escribió el poemario La intensidad (2021, Salta el Pez), Aparecida (2015, Sudamericana), en el que relata la historia de la búsqueda del cuerpo de su madre desaparecida, cuyos restos fueron hallados por el Equipo Argentino de Antropología Forense-; Vivir con virus (2016, Edulp y 2004, Norma) Corazones cautivos, la vida en la cárcel de Mujeres (2008, Norma) y Santa Lilita, biografía de una mujer ingobernable (2002, Norma). 

Es columnista en El destape, conductora del programa de streaming Pasamos Todes (Posdata digital) y docente en la Escuela Antipunitivista Yo no fui. Integra el Comité de Revolución Imaginaria (CRI) y la Columna Mostri.

(La Plata, Buenos Aires, Argentina)

Nació el 29 de noviembre de 1972 en La Plata. Su hermana, Mariana, el 1 de agosto de 1975. En diciembre de ese mismo año desaparecieron sus padres -Norma Concepción Finocchiaro y Jorge Omar Arreche-. 

Realizó estudios formales en lengua y cultura italiana en La Plata,  e informales en viajes y gentes. 

Desde 2005 vive en la costa. Saca fotos, siempre; escribe, cada tanto.

(La Plata, Buenos Aires, Argentina) 

Cantora, escritora, militante sindical, hija de Víctor Basterra y Laura Seoane. Sobrevivientes de la última dictadura cívico militar. Eva compartió con sus padres el cautiverio en la ex Esma (Escuela de Mecánica de la Armada), cuando tenía tan solo dos meses de vida. A la semana ella y su madre fueron liberadas. Su padre, Víctor, estuvo secuestrado hasta poco antes del retorno de la democracia, en 1983. 

Como escritora, además de Desarraigo, publicó el cuento Eugenia, escrito a modo de homenaje a su madre, que era el nombre de guerra de Laura. Lo presentó al Concurso Literario Ellas no fueron contadas, organizado por el Ministerio de Mujeres y Diversidad de la Provincia de Buenos Aires y resultó uno de los seleccionados; forma parte de un libro publicado en 2023. Años atrás, en su adolescencia, había participado en un concurso con un poema que resultó ser una canción cantada por León Gieco.

Eva fue parte fundadora de Les Minón, banda de cumbia de mujeres. Forma parte de la murga al estilo uruguayo La gran puta, con letras de alto contenido poético y político. También se ha presentado como cantora a través de un espectáculo propio, Ser Eva. 

(La Plata, Buenos Aires, Argentina)

Verónica Sánchez Viamonte nació en La Plata en 1974.  Es arquitecta, docente en las cátedras de Historia en la Facultad de Arquitectura UNLP y en Procedimientos de las Artes Plásticas en la Facultad de Artes UNLP.  En 2008 participó del equipo que diseñó la señalización para los Centros Clandestinos de Detención, encargado y ejecutado por la Secretaría de Derechos Humanos de la Provincia de Buenos Aires.

Publicó poesía en la antología Si Hamlet duda le daremos muerte, de la colección Los Detectives Salvajes, Libros de la talita dorada, (2010), y Magdalufi (EME, 2019), libro que contiene relatos desde la mirada de una niña, a veces también de una mujer, acerca de cómo fue vivir el terrorismo de Estado. Verónica es hija de Cecilia Eguía y Santiago Sánchez Viamonte, ambos desaparecidos durante la última dictadura cívico militar. 

(Buenos Aires, Argentina)

Mariana nació en Buenos Aires en 1977. Es politóloga y escritora. En la UBA se graduó en Ciencia Política y se formó como investigadora en el marco del proyecto “Reconstrucción de la identidad de los desaparecidos. Archivo Biográfico Familiar de Abuelas de Plaza de Mayo”. 

Es hija de Patricia Julia Roisinblit y José Manuel Pérez Rojo, secuestrados durante la dictadura, el 6 de octubre de 1978. Su madre, Patricia, estaba embarazada en ese momento. Su hijo, nacido en cautiverio, es uno  de los nietos que pudieron recuperar su identidad, el 2 de junio de 2000.

Mariana es autora Diario de una princesa montonera – 110% Verdad  (2021), Fantasmas en escena. Teatro y desaparición (2021) y coautora de El pasado inasequible. Desaparecidos, hijos y combatientes en el arte y la literatura del nuevo milenio (2018). También ha escrito obras de teatro como Antivisita. Formas de entrar y salir en la ESMA, presentada en diferentes espacios de memoria y teatros  del país, y en el Museo de Arte y Memoria y la CPM, La Plata.